la rebelión consiste en mirar una rosa

hasta pulverizarse los ojos


Alejandra Pizarnik


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El TIFF y su proyección por Luis Sedgwick Báez, 6 de octubre de 2018








El Festival Internacional de Toronto (TIFF) llegó a su 43 aniversario. Su presidente, Piers Handling anunció su retiro hace algún tiempo. Bajo su égida el TIFF se ha convertido en lo que es: uno de los mejores festivales, y para algunos, el mejor, por su programación, selección, proyección. También, repentinamente, Michéle Maheux, segunda a bordo y factótum sin discusión, anunció su retiro. Ambos fueron reemplazados por Joana Vicente (nacida en Portugal) que compartirá tareas con Cameron Bailey, antiguo Director artístico.



Joana Vicente 


Toronto fue escogida una vez más  por “The Economist” como una de las diez ciudades con mayor calidad de vida en el mundo. Al mencionar tal honor a sus ciudadanos me responden con un gesto de indiferencia. Al comentar tal actitud con Carmel Winters, una irlandesa cuyo film “Flota como una mariposa” ganó el premio Fipresci en la sección “Descubrimiento” me respondió: “Cuando en los países las cosas van bien, estos elogios no tienen importancia”.  Si lo sabremos nosotros.

En el camino a recoger mis credenciales me encuentro con un ‘indigente’ sentado en la acera con un cartel que rezaba “necesito dinero para cerveza y marihuana”.





 

Marcello (Marcello Fonte, ganador del premio al mejor actor en Cannes) cuida perros, vende cocaína y se reúne con amigos del bajo fondo. Ingenuo y de pocas luces, no moraliza sobre su entorno inmediato. “Dogman” (Italia) de Matteo Garrone (aquél de “Gomorrah”) logra en imágenes proyectar una atmósfera sórdida, impregnada de una violencia exacerbada (el signo de los tiempos) y realista en los gestos de los personajes. Sobresale a ultranza por su presencia Marcello Fonte en una actuación memorable, de preclara intensidad.

Como decía F.Scott Fitzgerald “Las películas tienen una gramática particular, como la política, la producción de automóviles, o la sociedad”.






H Kore-Eda ha sido siempre un puntal en los festivales. Esta vez “Ladrones de tiendas” (Japón) se llevó la Palma de Oro en Cannes. Su enfoque se concentra en las relaciones familiares, la autoridad paterna, la sicología de la mujer, el comportamiento de los hijos. Aquí la cámara se adentra en una casa donde viven 5 personas, arrimados en una pocilga, mientras que paulatinamente la historia se va aclarando en una “familia improvisada” pues los lazos de sangre son en realidad “adoptados”. Kore-Eda logra, brillantemente, plasmar en imágenes el hacinamiento cotidiano, salpimentado con observaciones sobre la muerte y la vida misma.





Michael Moore, un personaje por siempre controversial (me tropecé con él en uno de los corredores del TIFF) ha mantenido, a través de sus documentales, una línea firme, como así en su política e ideología, sin digresiones por el camino: a favor de los desposeídos, de los marginados por la sociedad, en contra de los grandes capitalistas, en contra de la injusticia.

“Farenheit 11/9” (EEUU) se aboca en analizar la llegada de Donald Trump al poder y las circunstancias que lo llevaron al poder y en el interin pone el dedo en la llaga sobre la contaminación del agua en Flint, Michigan (sitio donde nació) y que las autoridades negaron durante bastante tiempo, la matanza en un colegio en la Florida (donde los estudiantes llevaron luego la batuta organizando marchas contra la tenencia de las armas). El film es puro Michael Moore y su extraordinaria percepción del mundo que nos rodea.






La Fipresci escogió “Guerra Fría” (Polonia) de Pawel Pawlikowski como uno de los 4 mejores films de 2018 (estará en mi acostumbrada lista!!) En la Polonia de 1946, un grupo de jóvenes con prontuario criminal es enviado a un centro donde les inculcan cantos y danzas folclóricas para presentarse en los países del bloque  soviético. Una cantante, Zula (Joanna Kulig) se enamora de Wiktor (Tomasz Kot)  el director musical del centro, relación que los lleva,  a varios países  a través del tiempo, con sus respectivos bemoles emocionales y cambios de pareja. Con una fotografía en blanco y negro donde la atmósfera adquiere una poesía visual, única, y con actuaciones a la altura.






Basado en la vida de Gerhard Richter, su infancia y juventud en la Alemania del Este y su posterior traslado al otro lado del muro “Never look away” (Alemania) de Florian Henckel  von Donnersmarck (el de “La vida de los otros” de 2006), es ante todo una mirada y una postura de lo que representa el arte vis-á-vis con la política y con uno mismo. Kurt (el carismático Tom Schilling) queda impactado como párvulo cuando su tía lo lleva a un museo para ver “el arte decadente” de los artistas en la época nazi, sabiendo que su familia es opositora al régimen. Con el tiempo, Kurt comienza a pintar “el realismo socialista”, propulsado por el sistema comunista. Se enamora, su suegro (Sebastian Koch, de convincente actuación) fue un médico que colaboró con los nazis en la eliminación de aquellos enfermos considerados  “indeseables”, pero ahora acoplado, por oportunismo, al régimen soviético. Sólo,  cuando Kurt y su esposa se trasladan al Oeste, reconocerá cuál será el tipo de pintura al que se dedicará, pues podrá crear en libertad y sin cortapisa ideológica un arte auténtico sin engañarse a sí mismo. De 188 minutos de duración, es un film de primera línea.






Me recomendaron ir temprano. Hora y media de cola, pero la espera resultó fructífera. Fue uno de los films más anticipados del TIFF. “Nace una estrella” (EEUU) de Bradley Cooper invita comparación con los otros tres del mismo título y más aún con las actuaciones de Judy Garland y Barbra Streisand. Jack (Bradley Cooper) es un cantante popular,  alcohólico y drogadicto, que por arte del destino conoce a una aspirante a cantante (Lady Gaga)  y se enamoran. La química entre ambos es indiscutible, Bradley Cooper tiene buena voz, dirige muy bien las escenas de concierto y Lady Gaga es una verdadera revelación, su presencia acapara la pantalla: tierna, vulnerable, explosiva. Un film altamente comercial y que lleva el beneplácito de la crítica.





Qué decir del último Godard? “El libro de las imágenes” (Francia) es un collage de imágenes, extraídos de conocidos films, con sus respectivos comentarios, de textos de autores o de Godard mismo. Siempre a la vanguardia (estas imágenes el director las digitaliza y les pone como una suerte de cloro encima) es una excusa para mostrar que no se queda atrás en la tecnología cinematográfica. Mucha de la gente se salía de la sala.








Lara (Viktor Poister) es una adolescente en cuerpo masculino. Hace lo indecible para proseguir su carrera de bailarina clásica, hasta el punto que su cuerpo se resiente. Toma hormonas y sicológicamente se siente en condiciones para proseguir con la operación que la convertirá en mujer.  Recibe las burlas de sus colegas de ballet pero no se amilana. A su favor cuenta con un padre comprensivo, un taxista. Ganadora de la Cámara de Oro en Cannes como primer film,  “Girl” (Bélgica) de Lukas Dhont es un film magnífico, con un enfoque sobrio, sin estridencias, sobre la cotidianeidad de Lara, sus angustias, sus temores: la procesión va por dentro.





Gaspar Noé gusta de provocar, Recordemos el polémico “Irreversible”. Basado en hechos reales  en “Climax” (Francia), el espectador penetra en un salón después de una sesión de bailes frenéticos cuando  alguien del grupo  colocó, sin que nadie se diera cuenta,  LSD en la sangría con un resultado apocalíptico: un desenfreno total. De una morbosa violencia, muy bien dirigido, no en vano el film fue incluido en la sección ‘Locura de medianoche”.







Muy anticipada resultó “Si la calle Beale hablara”  (EEUU), el 2do largometraje de Barry Jenkins después que ‘Moonlight” ganara el Oscar como mejor film. La historia de una pareja, ella (Kiki Layne) espera un hijo mientras  él (Stephen James) cumple prisión por una violación que no cometió en los EEUU de 1960 de segregación racial e injusticia hacia la comunidad negra. Un film de amor impregnado de una inmensa tristeza a flor de piel y resignación.







También basado en hechos reales, sobre el robo perpetrado en el Museo Nacional de Antropología en la ciudad de México, extrayendo piezas fáciles de transportar y de valor incalculable, es lo que vemos en “Museo” (México) de Alonso Ruizpalacios, ganador del mejor guión en el Festival de Berlín. 2 novatos (Gael García Bernal y Leonardo Ortizgris) proceden sin dificultad al sortear sin problemas los mecanismos de seguridad para robar las piezas arqueológicas. La tarea ardua, después, es venderlas. Sin noción alguna de las reglas  de juego del mercado de arte internacional y más aún, de obras catalogadas, el film ilustra lo que significa defender el patrimonio cultural de un país, lo que representa el robo de piezas llevadas luego a los museos internacionales como resultado de guerras, excavaciones ilegales, etc. y que se justificaban como parapeto para “salvarlas de la destrucción”. Un film ameno, que no decae  e instructivo.






He seguido con fruición la trayectoria de Xavier Dolan,  el “wunderkind” del cine del Canadá. Sus films, originales, profundos y provocadores tienen la impronta de su sello personal, en la historia, en las imágenes, en los diálogos. En “La muerte y vida de John F. Donovan” (Canadá) un niño de 11 entabla correspondencia con un actor célebre (Kit Harington, el de la “Guerra de Tronos”) y a través de las cartas sabemos de su vida conflictiva, depresiva  y misteriosa.



Una decepción resultó “Nuestro tiempo” (México) de Carlos Raygada. Por respeto a su  respetable director (hace tiempo nos trajo su importante “Japón”) estuve sentado 3 horas. Tantas escenas innecesarias, prolongadas. Un poeta (el propio Raygada) se ocupa de su hacienda,  de sus caballos,  de sus toros, es además un  “voyeur”. En complicidad con un amigo norteamericano lo conmina a tener relaciones sexuales con su esposa  (Natalia López, su propia esposa), filmando las escenas. Al descubrir tal procedimiento  le sobreviene una catarsis  en un soliloquio donde desembucha todo lo que significa ser mujer en un matrimonio,  ser mujer en el día a día, mientras la cámara sobrevuela la ciudad de  México en la mejor escena del film.






Nos ubicamos en Argentina en 1975. Un golpe de estado se está gestando. “Rojo” (Argentina) de Benjamín Naishtat, con un estupendo guión de él mismo, se centra en una familia de la provincia. Un abogado (Darío Grandinetti), una ama de casa (Andrea Frigerio) y una hija (Laura Grandinetti) que estudia teatro. Se oyen rumores, personas desaparecen, otras se pasan a la clandestinidad. Subyace a cada instante una sensación de desconfianza, de paranoia, de angustia.  Aparece un detective chileno (Alfredo Castro), con delirios bíblicos, contratado para investigar una desaparición, tal vez un asesinato. Estupendamente bien dirigida y actuada, todos los personajes poseen un toque de locura, uno de los mejores films vistos en TIFF.





“La ceniza es del blanco más puro” (China) de Jia Zhang-Ke abarca el período 2001-2018 donde seguimos los pasos de Qiao (Zhao Tao, en una extraordinaria actuación) que vive en un pueblo de declive económico, con un novio gansteril que forma parte de la hermandad del delito. Ambos son conducidos a prisión y al salir, el país no es el mismo, ni ellos tampoco. Una mirada lúcida a  un país en continuos cambios (una constante del director) y una misma ideología.

China también estuvo representada por Chen Kaige “La leyenda del gato endemoniado” y Zhang Yimou “Sombra”, ambos films de corte épico, visualmente impactantes.






Filmada en su propio país, Alfonso Cuarón retorna a sus orígenes con  “Roma” (México), el mejor film que vi en TIFF.  El film asoma como una postura original, semi autobiográfica. Una familia, sabemos luego que es disfuncional, un esposo, médico,  que abandona el hogar y una esposa que comienza a sentir la soledad, una empleada (Yelitza Aparicio), preocupada en convertirse en madre soltera. Un film de múltiples lecturas, una recreación de México en 1970 (la masacre de Corpus Christi en 1971), y  de la forma de pensar y  actuar de las distintas clases sociales. Admirable desde cualquier ángulo que se vea y analice, su film más personal y León de Oro en Venecia. En blanco y negro que le otorga al film una pátina de trascendencia.


Vi 34 films, imposible escribir sobre todos. Vale!



Crítico de Cine. Escritor

Lee sus artículos en su libro "Toronto 7 años de cine: 2010-2016".



Premio Nobel de la Paz 2018 para Nadia Murad, de esclava sexual a heroína:"Comparto este Nobel con todas las supervivientes de la violencia sexual en el mundo" / Clarín, Europa Press, 5 octubre de 2018

Fue violada y torturada por la banda terrorista ISIS. La activista tiene 25 años. 





Nadia Murad, galardonada este viernes con el Premio Nobel de la Paz junto con el médico congoleño Denis Mukwege, es la voz de la conciencia de los yazidíes y la joven heroína que transformó en dignidad la humillación y la esclavitud a la que el grupo terrorista Estado Islámico (ISIS) sometió a su milenario pueblo.   


Nadia Murad (a la izquierda) junto a su abogada Amal Clooney 

en un evento en las Naciones Unidas. / AFP

Todo cambió para Nadia Murad el 3 de agosto de 2014. Aquel día la comarca iraquí de Sinyar, donde nació y creció la joven que hoy tiene 25 años, vio como una columna de vehículos del ISIS llegaban para iniciar una operación salvaje de sometimiento y de exterminio.

Una operación de exterminio


Su objetivo era acabar con las personas yazidíes, una minoría religiosa de etnia kurda asentada en el norte de Irak, cuyas raíces se remontan a 4000 años en los que ha sufrido 74 genocidios, y a los que los yihadistas del ISIS consideran infieles.
La masacre del grupo terrorista supuso la muerte de unas 5.000 personas, según cálculos no oficiales, y la esclavitud de alrededor de 3.000 niñas y mujeres que fueron sometidas a ventas y reventas para su explotación sexual.
Una de ellas fue Nadia Murad. Aquel día estaba junto a su madre y sus 12 hermanos en su natal Kojo, un pueblo agrícola, del que los yihadistas se llevaron a todo el mundo.
Durante tres meses Murad  fue torturada y violada hasta que logró escapar, en noviembre de aquel mismo año, gracias a los vecinos que la ayudaron a salir de la zona controlada por los terroristas para llegar a un campo de refugiados en Irak y trasladarse posteriormente a Alemania.
Desde allí comenzó a alzar la voz para denunciar el suplicio de los yazidíes y el 16 de diciembre de 2015 contó su experiencia en el Consejo de Seguridad de la ONU, que la nombró embajadora de esta organización.
Su rostro comenzó a hacerse habitual en las conferencias de Naciones Unidas y organismos internacionales, en donde sin descanso narra una y otra vez el horror que aún vive su pueblo.
Murad "es el testigo que cuenta de los abusos perpetrados contra ella y contra otros", argumentó hoy el comité Nobel para conceder el galardón, compartido con el congoleño Denis Mukwege, un médico que lleva años trabajando en la recuperación física y psicológica de las mujeres violadas durante los conflictos armados.
Murad es "una de las cerca de 3.000 niñas y mujeres que han sufrido crímenes sexuales como parte de la estrategia militar del yihadista Estado Islámico que usaba ese tipo de violencia como un arma contra los yazidíes y otras minorías religiosas", agregó.
El reconocimiento de hoy se suma al que ya recibió en 2016 del Parlamento Europeo, que le otorgó el Premio Sajarov a la Libertad de Conciencia, un premio que la Eurocámara concede desde 1988 a personas y organizaciones que defiendan los derechos humanos y las libertades fundamentales.
Entonces, en una entrevista con EFE, subrayó: "Este premio va en contra de los objetivos que persigue el grupo Estado Islámico, ya que quieren erradicar a las y los yazidíes y cuando nos capturaron querían quitarnos nuestro honor, dignidad y orgullo".
"Este premio nos ha devuelto el orgullo y la dignidad, y por ese motivo se lo quiero dedicar a todas las víctimas en el mundo del ISIS u otros grupos" yihadistas, afirmó Murad.
Además, la joven yazidí ha venido insistiendo en la necesidad de que se cree un tribunal especializado que juzgue a los responsables de los crímenes cometidos por el ISIS en Siria e Irak, donde a finales de junio de 2014 proclamó un "califato" en los territorios que había conquistado hasta ese momento y que en julio de 2017 daba sus últimos coletazos.



Nadia Murad: "Comparto este Nobel con todas las supervivientes de la violencia sexual en el mundo"







"No solo debemos imaginarnos un futuro mejor para mujeres, niñas y minorías perseguidas, debemos trabajar acorde para hacer que ocurra, priorizando la humanidad, no la guerra"




La activista yazidí Nadia Murad, galardonada con el Nobel de la Paz junto al cirujano congoleño Denis Mukwege, ha compartido el premio "con todas las supervivientes de violencia sexual en el mundo" al tiempo que ha aprovechado para llamar la atención sobre el sufrimiento de la minoría a la que pertenece.




"Comparto este galardón con todas las yazidíes, con todas las iraquíes, con todas las kurdas y todas las minorías y con todas las supervivientes de la violencia sexual en el mundo", ha señalado en un comunicado, en el que se ha mostrado "honrada" por el premio y expresado su admiración por Mukwege.




"Como superviviente, estoy agradecida por esta oportunidad de llamar la atención internacional sobre el sufrimiento de los y las yazidíes que han sufrido crímenes inimaginables desde del genocidio por Estado Islámico, que comenzó en 2014", ha subrayado Murad, quien al igual que unas 3.000 mujeres y niñas fue raptada por este grupo terrorista en el norte de Irak y sometida a violencia sexual.




Según Murad, a much@s yazidíes el premio les hará pensar "en los familiares perdidos, que siguen sin aparecer o que siguen en cautiverio". "Como muchos grupos minoritarios, las y los yazidíes han cargado el peso de la persecución histórica", ha denunciado Murad, subrayando que mujeres y niñas han sufrido en mayor medida ya que "han sido y siguen siendo víctimas de violencia sexual", al tiempo que ha recordado a su madre "asesinada por Estado Islámico". "La persecución de las minorías debe acabar. La violencia sexual contra las mujeres nunca debe ser tolerada", ha reclamado, llamando a ser "comprometidos con reconstruir las comunidades arrasadas por el genocidio".


"Debemos mantenernos firmes en ayudar a las refugiadas y refugiados a volver a casa o a que se les dé un lugar seguro en otra parte", ha sostenido la activista, instando a trabajar "con determinación para que las campañas genocidas no sólo fracasen, sino que lleven a la rendición de cuentas de los perpetradores".


Murad ha insistido en que "las supervivientes merecen justicia y una vuelta a casa segura". "No solo debemos imaginarnos un futuro mejor para mujeres, niñas y minorías perseguidas, debemos trabajar acorde para hacer que ocurra, priorizando la humanidad, no la guerra", ha zanjado.



Fuente: Europa Press


Joan Baez on retiring from touring, Bob Dylan, and why we need a new ‘We Shall Overcome’ by Dan DeLuca, September 21, 2018 / The Inquirer

“NINGÚN HOMBRE ES UNA ISLA”, obra sobre ERNEST HEMINGWAY, regresa a la Asociación Cultural Humboldt de Caracas




Foto Nicola Rocco

Los días 15, 16, 22 y 23 de septiembre de 2018, a las 4:00 pm



El año es 1959. El lugar, la finca Vigía en Cuba, propiedad de Ernest Hemingway. Una mañana tormentosa, durante la época de huracanes tropicales del Caribe, es el telón ideal para “NINGÚN HOMBRE ES UNA ISLA”, un drama que se sirve del gran escritor estadounidense, y su esposa Mary, para que José Tomás Angola (Caracas, 1967) reflexione sobre algunas de sus preocupaciones artísticas, motivos de creación que ya ha explorado no sólo en el teatro, sino en la poesía y la narrativa.

“NINGÚN HOMBRE ES UNA ISLA”, regresa a la Sala de Teatro de la Asociación Cultural Humboldt, en cuatro únicas funciones los días sábados 15 y 22 y domingos 16 y 23 de septiembre, a las 4:00 pm, en la Asociación Cultural Humboldt de San Bernardino, una de las mejores salas de teatro de Caracas. Estacionamiento y vigilancia. 




Foto Nicola Rocco



                        LO  QUE  DIJO  LA  CRÍTICA

“Ningún  hombre  es una isla”,   en  el transcurso de  su primera temporada, despertó el interés  de la  crítica  y  de personas ligadas a la vida intelectual del país, como referencias traemos, por  ejemplo, lo que el escritor Álvaro Pérez Capiello  comentó:
  “Creemos que el telón no ha descendido para esta obra de José Tomás Angola, tal cosa ocurrirá cuando se diga de ella la última palabra y, a nuestro entender, mucho queda aún por escribirse de la que consideramos, desde ya, una referencia del teatro moderno venezolano.” (Papel Literario, diario El Nacional)

Alí E. Rondón,   escritor, ensayista, y crítico de cine,entre otras apreciaciones,  considera que “El caso es que Ningún hombre es una isla va mucho más allá de lo que en décadas recientes intentó Hollywood varias veces al llevar a la TV retazos en la vida y obra del ganador del Premio Nobel de Literatura 1954 con histriones como Kevin J. O’Connor (Los Modernos), StacyKeach (Hemingway), Chris O’Donnell (Entre el amor y la guerra) y Clive Owen (Hemingway &Gellhorn).” (Papel Literario, diario El Nacional)

 Otro  tanto  hace Carlos Raúl Hernández: “José Tomás explora con profundidad y sobriedad el declive de este ser sobrehumano y, al tiempo, demasiado humano; y hace que lo encaren sus creaciones, los protagonistas de Por quién doblan las campanas, Jordan y María, la novela que consagra -como Fiesta años atrás- su pasión por España, en este caso por la guerra civil, para él lucha el bien y el mal, como en la simbología del toreo.” (El Universal, 7/02/2018).







                       UNA  FIGURA  FASCINANTE

   “Hemingway siempre ha sido una figura fascinante para mí”, nos comenta Angola. “Un autor atormentado por demonios de su niñez, que siempre quiso hacer de su propia vida, su mejor obra. El que hubiese pasado toda su existencia demostrando lo valiente y rudo que era, solo ocultaba lo cobarde y débil que se sentía. En sus novelas, el protagonista masculino siempre es una suerte de alter ego de él mismo. Haciendo lo que él nunca hizo: inmolarse por un ideal en la guerra civil española, como en Por quién doblan las campanas. O luchar estoicamente contra la vejez y la muerte, simbolizado por aquel enorme pez, en El viejo y el mar. Hemingway más allá de su estampa más grande que la vida misma, es un enigma.”

El argumento de la obra nos revela a un Papa Hemingway en el ocaso de sus días, vencido por el alcoholismo, delirante, lleno de culpas, miedos y dudas. Frustrado por su imposibilidad de escribir, y perseguido por el fantasma del suicidio.


“La pieza ocurre en dos planos, uno real y naturalista, en su finca de Cuba, y otro en su fantasía, en el delirio por el alcohol y la neurosis. Todo en un mismo tiempo, el día que la tormenta tropical Grace azotó la isla. Me parecía un tropo perfecto pues su madre, con la que tuvo una relación de amor/odio, se llamaba justamente Grace. La obra es una excusa, una alegoría de lo que es la creación, la ficción como remedo de la realidad.”


Pero si en esa realidad los personajes de Ernest y Mary Hemingway actúan desde el conflicto producto del licor y la impotencia que aquejan al hombre, en el delirio sus demonios son otros: la inminencia de la muerte y el valor que se debe tener para cruzar con dignidad ese portal simbolizado por el puente que debe dinamitar Robert Jordan en Por quién doblan las campanas.
El día de la muerte de Hemingway, Gabriel García Márquez escribió un texto lleno de nostalgia titulado: “Un hombre ha muerto de muerte natural”. 


"Hemingway -escribió García Márquez- no parecía pertenecer a la raza de los hombres que se suicidan. En sus cuentos y novelas, el suicidio era una cobardía, y sus personajes eran heroicos solamente en función de su temeridad y su valor físico."

 
José Tomás Angola nos reitera que “Hemingway, fue un suicida perpetuo. Su manera de beber sin freno y con episodios de delirium tremens que casi lo mataron, su fascinación por la caza, el acto puro de matar, y las armas, vehículos de la muerte. Sus relaciones afectivas destructivas y masoquistas, componen el cuadro de un hombre profundamente romántico, del siglo XIX. Morbosamente cercano a la mortalidad. En eso me siento reflejado. Pues para mí toda la creación se resume a dos único temas: la muerte y el amor. Eros y Tánatos que los griegos ya propusieron hace tantos siglos.”




Foto Nicola Rocco



JOSÉ MANUEL VIEIRA ENCARNA A ROBERT JORDAN


Con José Tomás Angola, que hace el papel de Papa Hemingway, también interpretan José Manuel Vieira, reconocido actor, locutor y actor de doblaje de fama internacional, Premio Municipal de Teatro en el 2001, incorporando el rol de Robert Jordan, el protagonista de Por quién doblan las campanas. Vieira es una pieza fundamental de La Máquina Teatro pues es uno de sus fundadores. Angola y él son los únicos miembros originales que quedan en Venezuela de la agrupación que este 2018 cumplirá 23 años.
Angola apunta: “Robert Jordan es una ilusión en la mente delirante de Hemingway. Lo escogí porque la trama de Por quién doblan las campanas me luce muy parecida a este presente agónico venezolano. Sin duda es la novela de Ernest que más crudeza destila y por eso me gusta tanto. Además el personaje de Jordan es la mayor recreación de sí mismo que emprendiera en su narrativa.”



Foto Nicola Rocco



EL DOBLE ROL DE ANDREA MIARTUS

Andrea Miartus tiene el difícil reto de incorporar un doble rol: a Mary Hemingway y a María, la protagonista femenina de Por quién doblan las campanas.

“Me gusta el teatro de muy buena factura técnica. Actores con estupenda dicción e impostación. Cuando se incorporan personajes clásicos o universales, no se puede permitir tener acento venezolano, nuestro típico sonsonete caribeño. 

Andrea tiene una voz hermosa y gran ductilidad escénica. Estudió en el Lee Strasberg Institute en Nueva York, y en Venezuela ha trabajado con Luigi Sciamanna, entre otros.  La lectura que hace de los dos roles y su compromiso con ellos es admirable.  A pesar de que no se estila en nuestro teatro períodos de ensayo tan largos, ha estado con nosotros los casi 5 meses de trabajo que llevamos. Estoy seguro de que será una gran sorpresa para muchos espectadores que no la conocen. Además era una exigencia que la misma actriz hiciera los dos roles: Mary Hemingway, con sus 40 años, y María con sus 20. Esta replicación de personalidades, construida desde la diferenciación interna y externa de los personajes, es parte del juego que propongo entre realidad y ficción que me interesa revisar como dramaturgo.” Andrea Miartus es además hoy en día la voz de la emisora radial Kys FM.


LOS RETOS 

Como Papa, Angola debió someterse a un cambio físico y de edad: “Siempre me han gustado estos retos. Asumir personalidades muy distantes a mi registro natural. Imagino que ahí es donde veo la máscara que impone el teatro. Hemingway en ese momento de la pieza tiene 10 años más que yo, y su corpulencia y brutalidad están siendo desafiadas por el alcoholismo y la diabetes. Engordé unos 9 kilos y he estado trabajando con mi voz para extraerle un tono más “aguardentoso” y áspero.

 Las grabaciones originales de su voz son antiguas, de cuando ganó el Nobel, y se oyen muy agudas y trabadas, con un acento y dicción muy característicos pero poco dramáticos. Para el personaje necesitaba desafiar esa verdad histórica y proponer otra lectura más cercana con su figura mítica. Eso fue lo que busqué.”


ESCRIBIR, PROTAGONIZAR Y DIRIGIR

José Tomás Angola no solo protagoniza y escribe el texto, que le llevó varios meses de trabajo, sino también asume la puesta en escena: “Es un proyecto muy complejo por todas las tecnologías que entraña, el diseño de arte que ha sido exigente y demandante dado el país que padecemos hoy, el proceso actoral que lo asumí con el equipo en un inusual período de muchos meses de ensayo, pero justamente por eso, por estar muy claro de lo que quería y de cómo lo quería, es que preferí asumirlo completamente. En Venezuela hay estupendos directores y actores, pero esta era una producción tan personal, tan alineada con toda mi capacidad creadora, que incluir otra visión o propuesta habría resultado en una obra diferente a la que concebí.”

Las tecnologías a las que hace referencia Angola son el video mapping, la proyección estereoscópica y la escenografía virtual. Todas técnicas novedosas que han sido poco exploradas en el teatro venezolano.

“Desde hace unos 10 años -Angola dixit- vengo investigando y proponiendo el uso extensivo del video en la creación teatral, pero no desde la manera habitual como se usa en nuestras salas: una proyección bidimensional como efecto, o un acto metadiegético que interrumpe la escena. No. Quiero que el recurso sea parte del discurso, así como lo es la escenografía o el vestuario, que son herramientas de composición y expresión de la pieza. Tanto en “Girasoles de Silencio” y “Diálogos de auto, cama y toilet”, como en “Polvo de hormiga hembra” y “La favorita del rey”, en donde construimos el antiguo palacio de Jerusalén en los espacios monumentales de la Concha Acústica de Bello Monte, el video se maneja desde otra perspectiva y eso le brinda al espectáculo una calidad nueva y diferente.”

Aunque el Mapping se usa limitadamente en Broadway, sobre todo por su costo, en Venezuela La Máquina Teatro ha logrado reunir a un equipo humano y técnico que lo hace económicamente posible. 

“Me acompaña, prosigue José Tomás Angola, en esta producción José Martínez como diseñador multimedia. Con él hemos invertido muchas horas de trabajo milimétrico, midiendo pulgada a pulgada el escenario, haciendo grabaciones submarinas, recorriendo locaciones, construyendo la banda sonora y haciendo una simbiosis perfecta con Freddy Belisario que es el diseñador de la escenografía física. Sin gente como ellos, esto sería imposible. En el diseño de vestuario está Fabiola Neri que ha hecho un trabajo de reconstrucción y confección increíbles, a partir de fotografías históricas. Hasta el calzado de María lo confeccionó ella. Ha planteado tal detalle en el vestuario que parece más para el cine que para el teatro. La asistencia de dirección es de Elizabeth Yrausquín, una mujer polifacética, dramaturga, directora de arte y artista plástico. El diseño de iluminación está en manos de Manuel Troconis que me ha acompañado en mis últimos 4 montajes. Para él fue todo un reto trabajar iluminación teatral con video mapping pues se debe entender que la fuente lumínica de la proyección debe usarse como eje de la atmósfera y no su enemiga. Finalmente el productor general es Carlos Silva, uno de esos personajes legendarios de nuestro teatro, venido de los mejores años de la Compañía Nacional de Teatro, donde fue gerente, y Presidente de la Fundación Casa del Artista cuando esa institución tenía propósito y objetivos, y que hace dupla conmigo desde hace casi 20 años en La Máquina Teatro.”

Cuando se le pregunta a José Tomás Angola sobre las razones sobre una nueva temporada tan corta, la respuesta es interesante: “Una pieza de estas características sería imposible en cualquier otro escenario. Durante las funciones, la sala no se podrá utilizar para nada más. El ajuste del video, la proyección y el trabajo de iluminación es tan milimétrico que no se puede tocar. ¿Qué teatro permitiría algo así? Ahora para sobrevivir se deben hacer dos y tres funciones por día, con escenografías portátiles y compartiendo plantas de luces. Un proyecto como este no tendría cabida en otro lugar. Sólo en una institución como la Asociación Cultural Humboldt, abocada al arte, la vanguardia, los nuevos retos y la promoción de la calidad artística, se puede. Esas cuatro funciones son un lujo que solo quienes vayan podrán presenciar. No lo digo por pedante, sino porque es un montaje que difícilmente se repetirá pues ni llenando completamente el aforo todas las funciones, pagará su costo. Estamos claros que no hacemos teatro comercial, hacemos teatro de arte. Y eso implica sacrificios y mucha convicción. Mis proyectos son muy personales y demandantes y tardan muchos meses en fabricarse. Cuestan mucho dinero, que honestamente creo es en realidad una inversión para el teatro de Venezuela. Por eso trabajo en salas que permitan una apuesta absolutamente artística y no solo estén pensando en la taquilla. Invito a todos los que busquen nuevas propuestas de teatro, teatro de arte, a que asistan a las funciones. Estoy seguro de que verán algo que solo está ocurriendo en pocos teatros del mundo.”


UNA SALA PARA EL TEATRO DE ARTE

“NINGÚN HOMBRE ES UNA ISLA”, cuyas entradas están a la venta en la Asociación Cultural Humboldt, inició una programación teatral para presentar teatro de arte en la sala. En cartelera está la obra de William Shakespeare (“Medida por Medida”), y luego de la reposición de “Ningún hombre es una isla”, viene Federico Pacanins con “Duelista”, en una programación pensada para un auditorio que busca otra expresión en los escenarios.

"NINGÚN HOMBRE ES UNA ISLA" nos brindará la oportunidad de acercarnos a Ernest Hemingway, considerado por New York Times como el escritor más importante después   de  Shakespeare. 

Entradas a la venta en la Taquilla del Teatro y/o mediante transferencia bancaria:
Asociación Cultural Humboldt.
Banco Provincial
Cta.Corriente 0108-0041-26-0100000966
RIF J-00059486-4
correo: asohumboldt@gmail.com

Envíe el correo con su transferencia especificando quién retirará las entradas en taquilla y le enviaremos una confirmación de recibido.